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“Wenn dir im deutschen Fernsehen jemand sagt: Mach mal so was wie ,Breaking Bad’, diese Serie über einen todkranken Chemielehrer, der Drogen verkauft, kommt am Ende ein heuschnupfenkranker Kommissar dabei raus”, sagt Ortun Ertener, einer der wenigen erfolgreichen und anspruchsvollen deutschen Drehbuchautoren, die auch was zu riskieren versuchen.
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In den letzten fünf Wochen (März-April 2012) gelang es dem immer mehr in der Bedeutungslosigkeit versinkenden Sender 3SAT sein kaum noch vorhandenes Profil aufzuwerten. Schuld daran waren die Österreicher, die 10 Folgen (Folgen 44-54) der grandiosen TV-Serie KAISERMÜHLEN BLUES des Drehbuchgenies Ernst Hinterberger ausstrahlten. Wenn es eine deutschsprachige (jedenfalls teilweise) Kultserie gibt, die diese Bezeichnung auf hohem Niveau verdient, dann diese. Zuvor wurden die hinreißenden Wiener Milieustudien von Elizabeth T.Spita (etwa: “Am Würstelstand” mit so herzigen O-Tönen wie „Mir hätt´ der Hitler nichtmal als Maler gefallen.“) ausgestrahlt, die einen vortrefflich auf den audiovisuellen Höhepunkt der Woche (neben SPOOKS auf Fox-Serie) einstimmten. Satte 2 ¼ Stunden Unterhaltung vom Besten um das Wochenende fröhlich anzugehen, von keinerlei Werbung unterbrochen – ausgenommen, die dämlichen, auf ARTE schielenden, nutzlosen Zwischenspiele, die sich in ihrer ambitionierten Idiotie für einen GRIMME-Preis empfehlen.
KAISERMÜHLEN BLUES ist nur mit den weltbesten Serien zu vergleichen. In seiner schamlosen Nutzung und Vermischung unterschiedlichster Genres und ihrer Topoi, vom Sozialdrama über Soap bis zum police procedural, gar nur mit den allerbesten britischen Serien, die bekanntlich immer einen Tick besser sind als die besten US-Serien. Der bescheuerte Fachbegriff lautet Dramedy. Etwas schwach für einen kulturellen Höhepunkt einer degenerierenden Zivilisation.
Was bei Dietl und Süßkind (MONACO FRANZE, KIR ROYAL) als fernsehdramaturgisches deutsches Wunder von der Kritik ehrfurchtsvoll beklatscht wird, hat Hinterberger in seiner langen erfolgreichen Karriere zu Hauff besser rausgehaun – vom deutschen Feuilleton weniger wahrgenommen als ein Experimentalfilm aus Bukina Faso. Der noch immer in einer 44qm kleinen Wohnung in Wien lebende Hinterberger verbindet Joseph Roht und Oskar Maria Graf mit Steven Moffat. Inzwischen ist er 81 Jahre alt.
Der Ausgangspunkt der vielschichtigen Geschichten ist eine Gemeindebausiedlung in Kaisermühlen, einem Bezirksteil des 22. Wiener Gemeindebezirks Donaustadt. Hier leben die aberwitzigsten und unterschiedlichsten Charaktere, deren Schicksale, ausgehend vom gewöhnlichem, aufs originellste miteinander verwoben werden. Informieren lassen sich einige von ihnen gerne durch das Magazin „Die bunte Wahrheit“. Dieser Titel alleine schon ist ein Brüller. Hinterberger achtete eben aufs kleinste Detail, Neben dem realistisch-zynischen Blick auf die Gesellschaft, zeichnen die Figuren auch die sprachliche Kreativität der Wiener aus. Das führt zu Dialogen, die man an Wortwitz und Tiefgang mit MONTY PYTHON, TWO AND A HALF MEN oder COUPLING vergleichen kann – aber eben wienerisch. Neben Politikern; Beamten und anderen kleinbürgerlichen Abscheulichkeiten kriegen auch die Popen ihr Fett weg („Der Monsignore ist ein geweihter Herr!“) und vermitteln etwas Distanz zum christlichen Irrglauben, dass Schmerzen der Preis für alles Gute sei.
Ein paar Dialogbeispiele, die geistreicher sind als die kompletten RTL- und SAT1/PRO7-Ketten zusammen:
„Ein Zombie wird doch mal eine Mittagspause machen können“, sagt der immer berückende Herbert Fux als angestellter Maskenträger der Geisterbahn, und zu seinem geschassten Vorgänger:“Ich bin eben universeller einsetzbarer als du.“
„Je älter du wirst, umso ähnlicher wirst du deinem Vater, der so jung hat sterben müssen.“
„Herr Polizist, helfen Sie mir!“
„Und wer hilft mir?“
„Was feiern´s denn?“
„Dass´deppert´s san, das feiern´s.“
„Das alles Schlechte zu uns kommen muss. Nachts schaust du dir <pornofilme an und tagsüber tus´t deine abwegigen Phantasien in die Tat umsetzen.“
„Lass es. Sonst bist du noch an einer Schicksalstragödie schuld.“
“Aber gerade die Schicksalstragödien hab´ ich doch so gern.“
„Amtshandeln muss man können!“
Die dargestellten menschlichen Schwächen, interpretiert durch Wiener Kreatürlichkeit, sind so beeindruckend und tiefsinnig und mit leichter Hand dargestellt, dass ihnen eine geradezu charmante Unbefangenheit anhaftet. Jeder deutsche Durchschnittsregisseur kann u.a. an der Serie lernen wie man Schauspieler inszeniert und timing macht. KAISERMÜHLEN BLUES ist noch lustiger als der andere 3SAT-Knaller: Wettlesen für Ingeborg Bachmann in Klagenfurth; nur optisch, stilistisch und inhaltlich auf weit höherem Niveau. Naja, die Produktionsfirma MR-Film hatte natürlich auch mehr Geld vom ORF bekommen.Unnötig noch zu sagen, dass Regiie (Harald Sicheritz, Erhard Riedlsperger, Reinhard Schwabenitzky), Produktion und die göttlichen Schauspieler zum Besten gehören, was das Medium hergibt.
„Als Hinterberger 1999 den Kaisermühlen-Blues beenden wollte, fragte der ORF nach einem Drehbuch für eine Spin-Off-Serie. Hinterberger und Regisseur Harald Sicheritz entschieden sich für die Figur des Trautmann und produzierten im Jahr 2000 einen 90-minütigen Krimi mit dem Titel Wer heikel ist bleibt übrig. Eigentlich hätte dies ein österreichischer Beitrag zur Krimi-Reihe Tatort werden sollen, aufgrund des in Deutschland angeblich unverständlichen Dialekts wurde dies aber kurz vor der Erstausstrahlung aus dem Programm gestrichen.“(Wikipedia), Typisch für die ARD-Trottel. Als ob man das Genuschel der Micky Maus-Synchronstimme Til Schweiger verstehen könnte, der uns als nächster TATORT-Kommissar angedroht wird. Der kann vielleicht eine Million Prekariats-Trottel in nach Gammelfleisch stinkende Cinedome locken, aber nicht einen zivilisierten Menschen vor den Bildschirm.
Die Serie lief von 1992 bis 1999, brachte es in 7 Staffeln auf 64+7 Sonderfolgen, die es in einer 17 DVDs umfassenden Box gibt, auf diekein wahrer TV-Serien-Afficionado verzichten kann. Ich habe sie gerade bestellt, da ich mich nicht auf das schwankende Niveau von 3SAT verlassen mag.
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Eigentlich habe ich gar keine Lust mehr darauf. Seit Jahrzehnten lamentieren die Verantwortlichen über die miese Qualität ihrer Produktionen und wie toll angelsächsische Serien sind. Seit den 1980ern geht die Schere zwischen deutschen und ausländischen Serienproduktionen Jahr für Jahr ein bisschen weiter auseinander. Das wissen wir doch alles. Und wir kennen auch die Gründe dafür, dass das deutsche Fernsehen längst jedes internationale Niveau unterbietet. Es ist zum Volksempfänger für das Prekariat verkommen und zumindest das öffentlich-rechtliche Fernsehen hat längst den Anspruch auf – sagen wir – 2/3 der Gelder und Gebühren verwirkt. Fernsehen findet nur noch für ein Minderheitspublikum statt. Es ist schon lange kein Leitmedium mehr. Das glauben nur noch verblödete Politiker, die ihr Wahlvieh zu erreichen versuchen. Im Ausland sind deutsche Serien, Ausnahmen bestätigen die Regel, reine Lachnummern. Und die Verantwortlichen kriegen das nicht mal mit. Die reden sich allen Ernstes ein, dass ein brasilianischer Provinzsender TATORT oder DERRICK einkauft weil sie deren Qualität schätzen. Völliger Blödsinn. 1.bis 3.Welt-Länder kaufen deutsche Serien weil sie a) billig einzukaufen sind (im Gegensatz zu BBC- oder HBO-Produkten) und weil man sich b) über ihre unglaubliche Dämlichkeit schlapp lachen kann. Oder weil sie c) alle Klischees über Deutschland bestätigen und damit wiederum für Lacher sorgen. Deutsche Serien und Filme werden nur für ein paar Millionen (bei einer Bevölkerung von 80 Millionen sind die Kosten für die Verblödung von maximal 10 Millionen Stammzuschauern nicht zu rechtfertigen) Zuschauer gemacht und die Quote so lange definiert bis man sich irgendwie rechtfertigend darauf beziehen kann.
Und um dem eigenen Affen Zucker zu geben: Die Serie DEEP COVER, mit der ich 1994 den SAT 1-Drehbuchwettbewerb gewonnen habe (dank Oliver Hirschbiegel in der Jury), ist angesichts des katastrophalen Krimi-Angebots von 2012 tatsächlich noch immer revolutionär und seiner (deutschen) Zeit voraus. Unglaublich! Das nach fast 20 Jahren zu sagen, ist erschreckend. Es waren Koryphäen wie die SAT 1-Redakteure Mario Melzer und Thomas Teubner, die cliff hanger für einen Begriff aus dem Alpinismus hielten, die damals den Fortschritt verhinderten. Diese Typen haben sich seitdem vermehrt wie die Karnickel und jede notwendige Innovation verhindert.
Für deutsche Serien – allen voran die Krimiserien – gilt immernoch der alte Satz: Wir wissen zwar wie es geht, aber wir können es nicht!
Ich kenne jemanden, der ohne Rücksicht auf die eigene Gesundheit Jahrzehnte lang sonntags TATORT geguckt hat. Seit einiger Zeit kämpft sie nicht mehr gegen ihre Intelligenz an und schläft beim TATORT (ein) um “fit für LUTHER oder Stieg Larson um zehn im ZDF zu sein”. Die einzigen, die diese deutschen Krimiflops noch haben wollen, sind die verantwortlichen Macher um ihre Arbeitsplätze zu sichern. Dass sie sich überhaupt ein wenig Ahnung von Serientheorie (und keine von moderner Dramaturgie wie nicht lineares Erzählen)aneignen, liegt an rudimentären Englischkenntnissen und dem Internet.
Das bestätigt sich dauernd in diesen Palaververanstaltungen, die als Endlosschleife für die Spesenritter der Sender und Produktionen veranstaltet werden. Im Dezember 2011 gabs mal wieder so eine grottige Veranstaltung des Filmbüros in der selbsternannten Medienstadt Köln. Zum Amüsement aller SPOOKS- oder WHITECHAPPEL-Fans hier ein paar Statements der Diskutanten aus den Protokollen:
Stephan Rick: „Allein gegen die Zeit“ ist eine dreizehnteilige Thrillerserie für Jugendliche à 25 Minuten. Die Idee kam vom NDR, er wollte etwas haben in der Richtung „24“ für Kinder. Wir haben uns gefragt ‚Wie machen wir das ohne Foltern und Ins-Knie-Schießen’?
MC: Ich breche zusammen! Das ist ja mal genauso wundervoll wie innovativ. 24 für Kinder – das hat nicht mal HBO im Programm. Es kommt noch besser:
Rick: Es war uns wichtig, dass die Hauptfiguren normale Schüler sind, die die Herausforderung erstmal annehmen müssen und Probleme mit Witz und Cleverness lösen…Ganz wichtig sind die Cliffhanger. Die spielen in episch erzählten Geschichten eine wichtige Rolle, weil der Zuschauer wissen will, wie es mit‚seinen’ Helden weiter geht. Bei „24“ sind die Cliffhanger meist sehr negativ. Uns war wichtig, neben einem negativen Cliff auf einem anderen Handlungsstrang einen positiven zu haben, damit die Kinder nicht traumatisiert ins Bett entlassen werden, z. B. macht jemand eine wichtige Entdeckung.
MC: Beschränken wir uns lieber auf knallige Erkenntnisse unserer großartigen Serienmacher:
Benjamin Benedict – Produzent „Unsere Mütter, unsere Väter“: Die zehnteilige amerikanische Serie „Band Of Brothers“ war für mich die kopernikanische Wende in der Wahrnehmung der Möglichkeiten, die Fernsehen in Differenzierung und Genauigkeit hat. Die englische sechsteilige Miniserie „State of Play“ ist auch ein gutes Beispiel..Es ist oft so, dass man von einem Sender nur ein minimales Entwicklungsbudget bekommt. Wir reden über einen Zeitpunkt, der entscheidend ist. In dem ein Produzent auf eigenes Risiko arbeitet und der für einen Autor problematisch ist, weil der entscheidende Anteil der Arbeit der schlecht bezahlte ist. Es hängt an der Leidenschaft, mit der man an Stoffe glaubt. Auch da ist der Autor besonders zu nennen, der in dieser Phase höchster Unsicherheit Zuversicht haben muss.
MC: Verkürzt ausgedrückt: Alle kassieren, nur der Autor soll auf Verdacht und Hoffnung arbeiten. Das die Stellung der Drehbuchautoren in Deutschland so mies ist, liegt nicht nur daran, dass sie mehrheitlich miese Schreiber sind. Es liegt vor allem daran, dass ihre Organisation Drehbuchautorenverband ein feiger Haufen ist, der die eigenen Interessen nicht mal gewerkschaftlich organisieren kann.
Rick: „Monaco Franze“ ist für mich ein Beispiel für eine moderne Serienfigur: Er betrügt seine Frau, er ist ein Opportunist, also eine Figur, bei der man auch in aller politischen Korrektheit sagen würde, das geht nicht. Und das gab es schon mal bei uns.
MC: MONACO FRANZE ist eine Serie von 1983! Also drei Jahre vor MIAMI VICE produziert. Nee, das ist mir alles wirklich zu modern. Kann man da noch von kultureller Verspätung reden? Wohl eher von kulturellem Totalschaden.
Peter Nadermann – Produzent „Kommissarin Lund“: Wir tun uns in unserem Markt, der viel härter ist, offenbar schwer und trauen uns wenig. Das Problem ist, dass man immer Sorge hat, dass die Quote nicht stimmt. Deshalb macht man eher defensive Programme. Das rächt sich auf lange Sicht für die Öffentlich-rechtlichen besonders, weil der Zuschauer gar nicht mehr damit rechnet, dass da was läuft. Ein 15-jähriger Teenager nimmt nicht an, dass im ZDF oder der ARD etwas läuft, das cool ist.
Nadermann: Wir befinden uns in einer Situation, in der wir, weil wir zu viel produzieren, Budgets kürzen. Wenn man mit kleinem Geld etwas macht, muss man umso innovativer sein. Die BBC verkauft ihre Programme und holt sich zwanzig bis 35 Prozent aus dem Ausland. Wir verkaufen unsere Programme kaum. Wir produzieren sehr viel, aber wir bezahlen zu viel und haben zu wenig. Es wäre schlauer, weniger zu machen, das höher zu dotieren und dann zu versuchen, andere anzusprechen, um das besser verkaufen zu können.
Nadermann: Es ist eine Wettbewerbssituation entstanden, in der ARD und ZDF untereinander und mit den Privaten konkurrieren. Wenn sich ARD und ZDF darauf einigen könnten, sich zu radikalisieren und miteinander zu arbeiten, könnte man die Qualität des Fernsehprogramms blitzartig anheben.
MC: Wenn ich den intelligenten und engagierten (das meine ich wirklich mal ernst!) Herrn Nadermann richtig verstehe, meint er: Wir geben unsere Steuer- und Gebührengelder lieber nach Schweden und Dänemark für Co-Produktionen, da man in Deutschland nicht kreativ sein kann. Na, damit kann ich doch leben! Bitte auch das Geld für den SOKO-Mist, TATORT und den ZDF-Freitagskrimi an die BBC weiterreichen. Die verbrennen die Kohle jedenfalls nicht. Einen deutschen LUTHER oder ein deutsches SPOOKS kriegen unsere Schnarchnasen doch eh nicht hin.
So aufregend kann Krimi sein!
Na, vielleicht doch besser so.
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Er war und ist noch immer einer der Höhepunkte des Brit Noir im Medium Fernsehen: Richard Bradford alias McGill in MAN IN A SUITCASE.
Als das vielbesungene 68er-Jahr damals wie eine biblische Heimsuchung über alle anständigen Bürger hereinbrach, geriet die Welt der Eltern eine Zeitlang ziemlich aus den Fugen. Heranwachsende ließen sich nun überhaupt nichts mehr sagen und lachten über die ebenso banalen wie gutgemeinten Ratschläge ihrer Erziehungsberechtigten. Die Spießerdroge Fernsehen – womit man die lieben Kleinen früher noch hatte heimlocken können – war out. Man würde ohnehin nie wieder einen solchen Kick erleben wie beim ersten Sehen von “Texas Rangers”, “Bob Moran”, “Mike Nelson”, “Tennisschläger und Kanonen” oder “Simon Templar”. Lediglich “Der Mann mit dem Koffer”, der für Krimiserien das war, was die Stones im Bereich der Popmusik darstellten, lockte mich 1969 noch ganze dreizehnmal freitags, pünktlich um 21 Uhr, nach Hause – und natürlich “Nummer 6″ (Originaltitel: “The Prisoner”), samstags nach dem “Aktuellen Sportstudio”.
Eigentlich war man ja als hartgesottener Teenager über die Identifikation mit diversen Serienhelden hinaus – so dachte man wenigstens. Doch dann kam er: McGill, der Mann mit dem Koffer. Er gab uns den Thrill der frühen Jahre zurück, als die Mattscheibe das gesamte Bewußtsein fiebriger Kinderhirne aufgesaugt hatte. McGill knallte alles weg, was zuvor noch Idolcharakter besessen hatte.
Er war der härteste TV-Held der Prä-Sonny-Crockett-Ära und der einsamste Wolf auf diesem Planeten (abgesehen von den männlichen, pubertierenden Fans, die seiner lakonischen Einsamkeit mit offenen Mündern und wütend geballten Fäusten folgten). Die einst so bewunderten TV-Helden wirkten im Vergleich zu ihm noch mehr wie Hochstapler und Flaschen. Ihre inszenierten Prügeleien muteten angesichts der eigenen Straßenschlachten, nach denen man sich nicht die Haare kämmte, sondern wundgeprügelt in der Dunkelheit auf Schmerzlinderung wartete, absurd und lächerlich an. Bei Kämpfen siegte nicht automatisch das Gute, wie uns die Arschlöcher von der Ponderosa weismachen wollten, sondern der Stärkere. McGill wußte das. Er machte bereits in der ersten Einstellung klar, daß er nicht an alte Wertvorstellungen glaubte und wirklich gefährlich war. Der Mann bewegte sich über den Bildschirm wie ein Panther.
Zum ersten Mal sah man in einer Serie, wie beim Schießen Patronen aus der Pistole geworfen wurden. Erstmals wurde auch gezeigt, wie man sich wirklich verhält, wenn man in ein Haus eindringt, wo die bösen Jungs schon auf einen warten. McGill nahm sich dafür Zeit, nutzte jede Deckung aus und arbeitete sich minutiös wie in einem Melville-Film von Zimmer zu Zimmer vor, darauf achtend, daß kein Licht in seinen Rücken fiel. “Amos Burke” oder “Simon Templar” wären wie Elefanten durch die Bude getrampelt, hätten den Kopf ein wenig zur Seite genommen (nicht zu hastig, damit die Frisur nicht verrutscht), um einer Kugel auszuweichen, und dann mit einem langen, langsamen Hieb aus der ganzen Schulter den Bösewicht ohnmächtig geschlagen – ein Hieb, den man auf der Straße nie zu sehen bekam.
Nicht so McGill: der war ein übler, unglaublich schneller Schläger, der offensichtlich nicht nur zur Freude der Yellow-Press-Fotografen mit Stuntmen ein bißchen herummachte.
Nein, Richard Bradford hatte geboxt, und seinem Gesicht konnte man ansehen, daß er auch einzustecken wußte. Daß aus ihm kein Superstar geworden ist, ist unbegreiflich. Aber wahrscheinlich hat er zu vielen Produzenten aufs Maul gehauen, ohne dabei die Zigarette aus dem Mundwinkel zu nehmen.
McGill war eigentlich zu hart fürs deutsche Fernsehen – und genau deswegen war er unser Mann. Er war ein Ex-CIA-Agent (ohne daß der Dienst je namentlich genannt wurde), den man reingelegt hatte, so wie wir damals alle regelmäßig reingelegt wurden, von staatlichen Institutionen wie der Lehrerschaft. So wie McGill seine Unschuld nachzuweisen hatte, mußte auch unsereins vor elterlichen Tribunalen oder der pädagogischen Inquisition pausenlos beweisen, daß man nicht irgendwas angestellt hatte. Dabei wurde der Rechtsgrundsatz von der Unschuld bis zum Beweis des Gegenteils von der Blitzkriegsgeneration selbstverständlich außer Kraft gesetzt. Wir waren also alles in allem nicht viel besser dran als McGill, der eine erhebende Metapher für junge Außenseiter war.
Die Firma beschuldigte McGill, er habe absichtlich nicht verhindert, daß ein westlicher Wissenschaftler zu den Russen übergelaufen war, und schmiß ihn deshalb ohne Rentenanspruch raus. Natürlich war McGill schuldlos und versuchte das zu beweisen. In der Episode “Man from the Dead”, geschrieben vom genialen Stanley Greenberg, stellte sich seine Unschuld dann auch heraus. Aber da der vermeintliche Überläufer in Wahrheit ein Doppelagent war, konnte McGill natürlich nicht rehabilitiert werden, und seine zynischen Ex-Arbeitgeber ließen ihn weiterhin draußen in der Kälte stehen.
McGill: “Wenn er noch lebt, könnte er mich rechtfertigen.”
Direktor Cofflin: “Niemand kann Sie rechtfertigen, McGill.”
Widerliche Bürokraten sorgten zusätzlich dafür, daß er nicht zurück in die USA konnte, ohne verhaftet zu werden, und setzten ihn auf eine Schwarze Liste. So konnte jeder dumpfe Provinzbulle McGill das Leben noch schwerer machen. Alles was ihm blieb, war ein Leben aus dem Koffer, mit dem er von einer miesen Absteige in die nächste zog. Er hatte nichts zu verkaufen als seine Arbeitskraft – und wurde so zum ersten proletarischen Krimihelden der Fernsehgeschichte. “Paranoia heißt, alle Fakten kennen”, schrieb William S. Burroughs einst; McGill bestätigte diese Weisheit Woche für Woche. Um Kohle zu verdienen, nahm er so ziemlich jeden miesen Job an, und oft genug blieb man ihm den Lohn schuldig. Für Konsumfetischismus und dummes Geplänkel hatte er dabei nichts übrig:
Bankkassierer: “Wie möchten Sie es haben?”
McGill: “Einfach in Geld.”
Nein, McGill ließ sich nichts vormachen. “Sie würden sich wundern, wie oft die eine Hand nicht weiß, was die andere versteckt”, sagte er gern. Aber er war auch kein Glückspilz. Wenn er schon mal die Chance hatte, an eine satte Million Dollar zu kommen (wie in dem grandiosen Zweiteiler “Variation on a Million Bucks” von Greenberg), landete er am Ende ohne Geld im Krankenhaus und mußte noch dankbar dafür sein, daß jemand für die Kosten aufkam. Bei fast jedem Job, selbst als Söldner in Afrika (in der Episode “No Friend of Mine” von John Stanton), gerät er zwischen die Fronten und hat alle Seiten gegen sich. Und eine Suche nach geraubtem Geld, wie in “Which Way Did He Go, McGill?” mit Donald Sutherland als Killer, konnte natürlich nur ergebnislos bleiben.
”Man in a Suitcase” schlachtete eine goldene Kuh und schaffte das Happy-End in TV-Serien ab. Bei diesen brutalen Stories kam in den naiven 60er Jahren manchmal wirklich das Gefühl auf, daß McGill am Ende einer Episode ins Gras beißen könnte. Genau das irritierte den durchschnittlichen Fernsehzuschauer, der schon zur Genüge um Dr. Kimble (“Auf der Flucht”; OT: “The Fugitive”) gezittert hatte. Denn McGill war, im Gegensatz zu Kimble, ein echter gesellschaftlicher Außenseiter, und solche Typen schätzten die Mattscheibenspießer überhaupt nicht (weshalb die ARD nach 13 Folgen auch Schluß mit der Serie machte und uns die restlichen 17 Folgen vorenthielt).
Junge Leute, vielleicht die potentielle Zielgruppe dieser existentialistischen Serie, schauten damals nicht fern – schon gar nicht angelsächsische Action-Serien mit dem Geruch des “westlichen Kulturimperialismus”.
So wäre die Serie bei uns fast ein Flop geworden, hätte sie nicht eine der vielen unsäglichen öffentlichen Diskussionen darüber ausgelöst, “wieviel Brutalität denn das Fernsehen anbieten darf”. Damit hatte eine Hamburger Fischverkäuferin keine Probleme: Als eine Fernsehillustrierte eine Umfrage (“Was halten Sie von McGill – ist er zu gewalttätig?”) abzog, antwortete sie: “Der Mann ist eine Sünde wert.”
Selbst die stellenweise recht B-Movie-mäßigen Versuche, beim Publikum durch “geschickten” Einsatz realer Hintergründe fernab gewohnter Studiokulissen etwas exotische Atmosphäre aufkommen zu lassen, taten der allgemeinen Begeisterung keinen Abbruch. Da wurden Standphotos von der Riviera oder grobkörnige Super-8-Aufnahmen von Rom dazwischengeschnitten, um zu belegen, daß sich McGill auch wirklich in Italien oder sonstwo aufhalten würde. Dabei sah jeder, daß er im lieblos ausgestatten Elstree-Studio herumtobte.
Aber der Trash-Effekt war letztlich egal, solange nur der Drehbuchautor einen guten Job machte und sich Richard Bradford eine Zigarette in den Mundwinkel schieben konnte. Seit Humphrey Bogart hatte nämlich niemand mehr so cool mit Glimmstengeln hantiert. Was wiederum einige Kritiker auf die Palme brachte, wenn McGill mit Kippe im Mund einem Mittelschicht-Punk eine reinhaute. Außerdem zeigte man erstmals in einer britischen Serie die dreckigen Londoner Hinterstraßen, auf denen Obdachlose herumlagen und Besoffene in Hauseingänge kotzten. Als Nebenfiguren tauchten außerdem einige der schlimmsten Freaks auf, die man in einer 60er-Jahre-Serie zu sehen bekam: Donald Sutherland als völlig beknackter Killer in “Which Way Did He Go, McGill?” oder ein ganzes Dorf voller aggressiver Arschlöcher in “All That Glitters” von Greenberg, der auch hier wieder McGill am Ende ins Krankenhaus schickte. Und wenn die im deutschsprachigen Raum nie gezeigte Folge “Brainwash” wirklich die letzte Episode war (was viele Fans behaupten), wissen wir nicht, ob McGill wirklich überlebt hat.
Mit ihrer Ideologie der positiven Resignation war “Der Mann mit dem Koffer” jedenfalls keine echte Sixties-Serie mehr und nahm “Miami Vice” oder “Wiseguy” bereits einiges vorweg. Statt sie jedoch an den Pranger zu stellen, hätten die üblichen besorgten Eltern Herrn Bradford lieber Dankschreiben schicken sollen: Er garantierte, daß wenigstens einige Raubauken Freitag abend zu Hause blieben…
PS: Ron Grainer, der einige der besten Titelmusiken der Seriengeschichte komponierte (Stichwort: “The Prisoner”), legte mit der Musik zu “Der Mann mit dem Koffer” übrigens sein Meisterwerk vor.
Auch bei uns entdeckt eine neue Generation McGill:
http://beyondhollywood.de/index.php/topic,17782.new.html
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Hiermit beginne ich eine Serie, die unsystematisch und in loser Folge die Entwicklung des Spionagethrillers und Polit-Thrillers in den unterschiedlichen Medien beleuchten soll.
1962 kam mit “Dr. No” der erste Bond-Film in die Kinos und löste in der westlichen Welt das aus, was als “Bonditis” in die Kulturgeschichte eingehen sollte. Parallel zur Beatlemania erreichte der 007-Kult mit “Goldfinger” 1965 den Höhepunkt, und Sean Connery wurde wie ein Popstar gefeiert. In Folge der Bond-Hysterie schossen Geheimagenten in Film und Romanen wie Pilze aus dem Boden. Jeder wollte sich eine Scheibe vom Agenten-Kuchen abschneiden. Auch in Deutschland wollte man von dieser Welle profitieren. Die Film-Produzenten stürzten sich auf einheimische Groschenhefte und produzierten Serien über den FBI-Agenten Jerry Cotton und Kommissar X – und machten in einem One Shot gar Lex Barker zu MISTER DYNAMIT.
Mit den ersten Bond-Filmen begann auch eine weltweite und multimediale Agentenwelle, die selbst ins Heimkino schwappte. Im Fernsehen hatte es bereits zuvor Geheimagentenserien gegeben, aber die waren eher bieder und plump. Das Phänomen Bond verschmolz den Agenten-Thriller mit Pop. Der Geheimagent wurde zur Pop-Ikone.
Als sich Anfang der 60er Jahre der Welterfolg von Agententhrillern in allen Medien abzuzeichnen begann, wollte das US-Fernsehen natürlich daran teilhaben. Die Briten hatten bereits großen Erfolg mit den TV-Serien DANGER MAN(GEHEIMAUFTRAG FüR JOHN DRAKE) und THE AVENGERS (MIT SCHIRM, CHARME UND MELONE).
Die Pop-Kultur war im Umbruch: Langhaarige Beat-Bands kauften den Matinee-Idolen oder Hinterwald-Rock’n Rollern den Schneid ab. An Universitäten las man MAD und die Ausdrücke “cool”, “camp” oder “sophisticated” wurden Modeworte. Seit den 50er Jahren entwickelte sich eine eigenständige Jugendkultur, unterstützt durch die Tatsache, dass keine Generation in der Adoleszenz zuvor über soviel Kaufkraft verfügte. Die Engländer verloren zwar ihr Empire, aber sie waren Vorreiter und Vordenker für das, was später den Namen Pop-Kultur erhalten sollte. Beatles und Bond wurden zum stärksten Aussenhandelfaktor im zivilen Warenverkehr der Briten.
Der Produzent und EMMY-Preisträger Norman Felton(DR.KILDARE, PLAYHOUSE 90) wollte schon lange eine SpionageSerie auf den Bildschirm bringen. Die Verantwortlichen bei NBC hatten ein offenes Ohr, die Zeit war reif für neue Helden oder „Formate“, wie man bei uns so zu sagen pflegt.
Felton traf sich im November 1962 mit dem 007-Erfinder Ian Fleming, zwar bereits erkrankt (er starb 1964 und erlebte den Welterfolg seiner geistigen Schöpfung nur im Anfangsstadium mit), der sehr angetan war von der Idee, eine Fernsehserie zu kreieren. Von Flemings konzeptionellen Überlegungen blieb dann nicht viel übrig,nur die Namen Napoleon Solo (der einem Gangster aus GOLDFINGER entliehen wurde) und April Dancer (die in der spin-off-Serie THE GIRL FROM U.N.C.L.E. von 1966 bis 1967 von Stephanie Powers verkörpert wurde). Fleming hatte bekanntlich ein großartiges Talent ungewöhnliche und unvergessliche Namen zu erfinden. Und natürlich schadete es der späteren Serie nicht, dass sie immer wieder mit Ian Fleming in Verbindung gebracht wurde.
SOLO FüR UNCLE ist eine Agentenserie, die ihre eigene Parodie gleich mitliefert. Ununterbrochen retten die Agenten der weltumspannenden Organisation U.N.C.L.E. die Welt vor einer (scheinbar)apolitischen Verbrecherorganisation namens THRUSH. Die absurden Plots verdanken einiges den britischen Pop-Klassikern AVENGERS, CORRIDOR PEOPLE oder THE ODD MAN.
Das für damalige Verhältnisse ungewöhnlich hohe Tempo erreichte die Serie durch den gnadenlosen Einsatz von Wischblenden und der Handführung der Arriflex-Kamera, die im Fernsehen zuvor nie genutzt worden war, bei Action-Sequenzen.
Das Konzept, wie es von AutorSam Rolfe weiterentwickelt wurde, ist eine Synthese aus Bond- und Hitchcock-Thrillern: Von Hitchcock übernahm man das Konzept von der Durchschnittsperson, die fast in jeder Folge unschuldig in den Kampf zwischen UNCLE und THRUSH verwickelt wird. Und Robert Vaughn als Napoleron Solo hat einiges von Hitchcocks Lieblingsschauspieler Cary Grant. Aus den Bond-Filmen übernahm man den weisen, alten Chef in der Gestalt von Leo G.Carroll als Mr.Waverly, die professionellen Agenten, die bizarren Superschurken und die weltweiten Handlungsorte (die sichimmer innerhalb der MGM-Studios befanden). Um nicht in Kalte-Kriegs-Ideologie zu versinken, hatte Sam Rolfe aus der UNCLE-Organisation so eine Art Geheimdienst der UNOgemacht, in der der Amerikaner Solo zusammen mit dem Russen Ilja Kuryiakin gegen die asozialen Ganoven von THRUSH kämpfte.
Beide Organisationen sind mehr als nur Action-Lieferanten für Drehbuchautoren. Die UNCLE-Agenten stellten einen neuen Protagonistentypus im Fernsehen dar: Gutgekleidete, liberale Weltbürger, die keiner erotischen Versuchung aus dem Wege gingen (zumindest der Sexmaniac Solo nicht). Ihre Umgangsformen sind kameradschaftlich, und auch das Verhältnis zu ihrem Chef ist nicht von Untertanenmentalität geprägt. Dagegen stehen die karrieresüchtigen Aufsteiger der als gigantische Bürokratie karikierten Organisation THRUSH. Die THRUSH-Agenten haben die strengen hierarchischen Strukturen verinnerlicht, träumen von Beförderung und machen sich Gedanken über den internen Rentenplan. Sie zeichnen sich durch unterdrückte Sexualität aus, die im krassen Gegensatz zum erotischen Appetit eines Napoleon Solo steht. THRUSHs Ziel ist eine primitive, puritanische Version des Kapitalismus, der Menschen als Rohmaterial ansieht. Also eine Organisation wie die von Josef Ackermann geprägte Deutsche Bank. Beim Wiedersehen wirkt so mancher THRUSH-Agent wie einer dieser hohlen Banker.
Dem gegenüber steht bei UNCLE das Konzept einer liberalen, aufgeklärten Angestelltengesellschaft vermeintlich freier Individuen. Das Böse entwickelt sich nicht mehr, wie in den Serien der 50er Jahre, aus moralischer Schwäche Einzelner, sondern aus den unterschiedlichen Ideologien, insbesondere aus dem fanatischen Puritanismus. Diese ideologische Strategie der Serie ließ sie damals so modern wirken: Die neue Konsumgesellschaft der 60er Jahre verlangte von ihren Mitgliedern andere Fähigkeiten als in früheren kapitalistischen Phasen: Statt Treue zum Arbeitsplatz war nun Mobilität erforderlich, statt sklavische Ausführung von Anordnungen brauchte man nun den mitdenkenden Facharbeiter und statt Bescheidenheit war verschärfter Konsum angesagt.
Die Pop-Serien der 60er Jahre singen das Hohe Lied der nivellierten Mittelstandsgesellschaft. Im Gegensatz zu den 50er-Jahre-Serien wird der hedonistische, konsumfreudige Weltmann heroisiert, der seine Bedürfnisse frei auslebt. Der moralisierende, sich selbst kasteiende Serienheld des vorherigen Jahrzehnts wurde als THRUSH-Agent lächerlich gemacht. Nicht mehr derjenige, der seine Sexualität auslebt ist der gefährliche Irre, sondern derjenige, der sie unterdrückt.
Immer wieder hat es Napoleon Solo mit frigiden Workaholics und frustrierten Hausfrauen zu tun, denen er mit seinem geballten Sexappeal so zusetzt, dass sie am Ende jeder Folge in ein befriedigenderes Leben aus der Serie entschwinden.
Dieser Subtext korrespondierte mit der Haltung der jüngeren Generation, insbesondere der College-Jugend, der die Serie ihren Erfolg verdankte: In den ersten Monaten war MAN FROM UNCLE ein echter Flop und stand kurz vor der Absetzung. Aber dann kamen die Studenten in den Weihnachtsferien nach Hause. PR-Mann Painter: “Jedesmal, wenn ich an einem Studentenheim vorbeikam, während unsere Serie lief, hörte ich bekannte Töne. Leider wurden die Fernseher in den Studentenheimen aber nicht von Nielsen nach Einschaltquoten gemessen. Aber ich wusste, wenn die Studenten in den Ferien nach Hause fahren, haben wir gewonnen.” Und sokam es auch. Über Nacht gingen die Einschaltquoten steil nach oben, und die Serie wurde zu einem Phänomen. Auf dem Höhepunkt des Erfolges bekamen die Stars 60000 Fanbriefe monatlich und der Rummel um Robert Vaughn und David McCallum war auf demselben Level wie Beatlemania oder Bonditis. Die PR-Abteilung der Produktion hatte wesentlichen Anteil daran, die Serie auf Erfolgskurs zu bringen. SOLO FÜR ONCEL war ein frühes Musterbeispiel für die Bedeutung von Marketing für einen Serienerfolg: Als die Serie im ersten Jahr in den Nielsen-Ratings so bescheiden dastand, dass ihre Fortführung gefährdet war, holte sich Sam Rolfe den Presse-Agenten Chuck Painter. Der entwickelte sofort eine durchschlagende Strategie: Er sah sich die Großstädte an, in der die Einschaltquoten am schlechtesten waren. Dort organisierte er für die Wochenenden Auftritte der UNCLE-Stars in Supermärkten und lokalen Nachrichtensendungen. Freitags nach Drehschluss, nachdem sie fünf Tage lang täglich 12 Stunden vor der Kamera gestanden hatten, wurden Robert Vaughn und David McCallum zum Flughafen gebracht, um am Wochenende drei Städte zu besuchen und Werbung für die Serie zu machen. Ein mörderisches Programm, dass wohl kein deutscher Produzent mit seinen Stars durchziehen könnte. Es zeigte Wirkung. In jeder Stadt, wo die UNCLE-Stars aufgetreten waren, gingen die Ratings hoch. Robert Vaughn: “Wäre das alles in den 80er Jahren statt in den 60ern passiert, wäre die Serie abgesetzt worden. Man hätte ihr keine Chance geben, sich ihr Publikum zu erobern.”
P.S.: Steven Soderbergh plant für 2012 einen Kinofilm nach der Serie.
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Wenn man die ersten Folgen der neuen Action-Serie HUMAN TARGET gesehen hat, bestätigt sich, was andere US- und GB-Serien schon bewiesen haben: In Deutschland ist die Zeit stehen geblieben. Zumindest auf dem Lerchenberg und den Räumen deutscher Produktionsfirmen. Kein gegängelter deutscher Drehbuchautor hätte solche Lines, mythisch anmutende Charaktere, Plot-und Subplotwendungen auch nur im Ansatz hingekriegt. Deutsche Regisseure hätten aus dem US-Drehbuch mindestens einen Dreistünder machen MÜSSEN, da sie nie Timing gelernt haben. Und das deutsche Action-TV-Aushängeschild COBRA 11 wirkt im Vergleich mit HUMAN TARGET so antiquiert wie die Keystone Cops.
Perfekt nutzen die Macher die Möglichkeiten des nicht linearen Erzählens, wie es zuvor schon effektiv bei HUSTLE eingesetzt wurde (momentan scheinen die meisten Innovationen aus Großbritannien zu kommen – siehe auch SPOOKS oder LITTLE BRITAIN). Produziert wird sie in Vancouver (seit der gerade verstorbene Stephen J.Cannell die Stadt für WISEGUY entdeckte und sie beispielsweise Joel Surnow für LA FEMME NIKITA nutzte, gilt Vancouver dank günstiger Gewerkschaftsbedingungen als Mekka für Action-Serien). Und jede Folge hat tatsächlich den look eines Bruce Willis-Kinofilm. Action-Kino für Arme ist das nicht. Und die tollen Bücher sorgen dafür, dass alles was momentan in den verseuchten Cinemaxen vor einem debilen Publikum abgespielt wird, dagegen alt aussieht. Noch älter sehen natürlich deutsche Gähnserien aus. Klaus Bassiners Lerchenberger Geronten-Sokos verstehen sich natürlich nicht als Action-TV sondern als homöopathisches Sedativ. Aber der ganze Mist der unfähigen RTL-Tante Anke Schäferkordt stinkt jetzt wieder mächtig ab. Ob sogenannte „Eventfilme“, die scheinbar in einem Legoland gedreht werden, oder LASKO und die vielen vergessenen Flop-Serien, die US-Konzepte grottig kopierten, – so was kann man wohl nur noch für kleines Geld in deutsche Urlaubsgebiete an der
Schwarzmeerküste verscherbeln. Im Gegensatz dazu zeigt HUMAN TARGET, wie man Massen taugliches Action-Format macht ohne die Intelligenz zu beleidigen. Aber auch dieses Highlight wird Tante Anke nicht davon abhalten wieder los zu brausen zu neuerlichen, noch finsteren Tiefpunkten derber Unterhaltung. Immer SAT 1 und pro/ im Rückspiegel.
Die Kunst bei solchen Action-Serien ist die Gradwanderung zwischen Leichtigkeit, Augen zwinkernder Selbstironie und Suspense gepaart mit der Glaubwürdigkeit von Hero-Comic-Charakteren, die in ihrem Kosmos vollkommen glaubwürdig agieren und in ihm dreidimensional wirken. HUMAN TARGET macht das perfekt. Ein absoluter Quantensprung seit dem MILLION DOLLAR MAN oder dem A-Team. 
TARGET funktioniert auf allen Ebenen und spricht alle Bildungsschichten an. Ein Zeichen wahrer Industriekunst, also mehr als nur gutes Handwerk! Neben der Action ist die Interaktion zwischen den drei Hauptfiguren ein besonderer Reiz der Serie. Mark Valley drückte das ebenso kryptisch wie nett aus: “Wenn Chance ein ehemaliger Junkie oder Alkoholiker wäre, dann ist Winston eher sowas wie sein Helfer während Jackie sein Ex-Dealer ist.”
Die Serie beginnt klassisch in Episodenform. Ab der Folge SANCTUARY steigt sie intensiver in die Personen und ihre Hintergründe ein und baut behutsam ihre eigene Mythologie. Hinweise und Andeutungen werden geschickt in die einzelnen Folgen eingebaut, die beim großen Finale erst ihren Sinn bekommen. Da erfahren wir dann die “großen” Geheimnisse hinter dem Mann, der sich Christopher Chance nennt. Die Season endet mit einem cliffhanger, da man die Verlängerung durch FOX wohl in der Tasche hatte. Ich bin mir ziemlich sicher, dass es in der zweiten Staffel zu einem noch stärkeren Mix aus episodischen- und seriellem Erzählen kommt. Wie gut das funktionieren kann, haben bereits LA FEMME NIKITA oder X-FILES bewiesen. Aber wer weiß? Vielleicht bauen die Produzenten auch stärker auf das rein serielle Erzählen. Denn das hat momentan den größten Zuspruch des Publikums; abgesehen mal von police procedurals wie CSI. Mich würde es nicht wundern, wenn sich TARGET zur nächsten großen Kult-Serie entwickelt. Das Ende von 24 und dem J.J.Abrams-Zeugs hinterlassen ein Vakuum. Die erste Season ist dann nichts anderes als eine äußerst ausführliche Exposition.
Christopher Chance erblickte das Licht der Comic Book-Welt 1958 in GANG BUSTER No.61. Er wäre ein längst vergessener One Shot, hätten ihn micht Len Wein und Carmine Infantino 1972 neu belebt. In den frühen 1970ern diente er als Füllserie für Superman in der ACTION COMIC-Reihe. In der zweiten Hälfte des Jahrzehnt wechselte er als Füllmaterial zu Batman in DETECTIVE COMICS. Zu seinen Zeichnern zählten immerhin Stars wie Neal Adams und Howard Chaykin! 
1990 wurde er für sieben Folgen auf den Bildschirm gezerrt, gespielt von Rick Springfield. Das Gute an der erfolglosen Serie war, dass sich DC wieder an Chance erinnerte und Pete Milligan ein neue Interpretation für Erwachsene ermöglichte. Mit den Zeichnern Edvin Biukovic, Cliff Chiang und Javier Pulido legte er für DCs VERTIGO-Line 1999 eine beeindruckende Mini-Serie und 2003 eine Graphic Novel vor; und von 2003 bis 2005 gab es dann eine monatliche Heftserie in 21 Comic Books. Markanter Unterschied zur neuen TV-Serie: In den Comics nimmt Chance die Identität des Klienten an, währen er im TV eher als HUMAN SHIELD agiert, Die TV-Serie wurde von Jonathan E.Steinberg entwickelt. Er hatte zuvor als Autor, story editor und Produzent an JERICHO gearbeitet; die Serie bezeichnet er als „very good boot camp“. Der Grund für den Konzeptwechsel des Comics ist eine medienspezifische Vorgabe: so kann man prominente Gaststars in jede Folge einbauen:
„ This was a property that had been in development both for TV and the movies for a while, and I think for good reason. It’s a very enticing idea – a guy who is always looking to or is willing to become you and get into the trouble that you made for yourself, and I think everybody had tried to figure out a way to make it work. It was pitched to me as something that Peter Johnson and
Warner Bros. were looking to do…It’s fun and allows you to play with identity in a cool way, but as soon as it becomes flesh and blood, it’s a strange credibility that is detrimental to the story. That was one of the earlier obstacles with us, how do we make it real? If there was a guy who did this job, how would he do it? He probably wouldn’t do it by putting on a rubber mask.
So I think that was the beginning of it. After that it became clear to us that we wanted to create an action hero that was like the action heroes that I grew up with, the Indiana Joneses. The John McClanes. It’s very hard to fall in love with Indiana Jones when he looks like somebody else every week.“
Nach der ersten Season mit 12 Folgen ist eine zweite mit über zwanzig Folgen in der Produktion. Obwohl die Zuschauerzahlen bei FOX eher mittelmäßig waren: Von Anfangs ca.10 Millionen sank sie auf 7,5 Millionen. Zum Glück für HUMAN TARGET hat Fox aber nicht mehr 24 am Start (endete mit der 8.Season) und braucht einen zumindest ähnlichen Ersatz im Genre. In der 2.Season bekommen die drei von der Rettungsstelle einen weiblichen Boss. Der neue Showrunner Matt Miller lüftete die Hintergründe: Die Milliardärin Ilsa, gespielt von Indira Varma (Rom, Torchwood) kauft die Agentur, die permanent in finanzielle Schwierigkeiten steckt und wird ihr Chef. Natürlich – wie es sich nach Genrekonventionen gehört – ist sie von Chance völlig unbeeindruckt und aus der Situation wird sicher Knistern und Spannung destiliert. Chi McBride alias Winston: “Wir sind wie eine dysfunktionale Familie. Wir streiten uns, aber wenn es darauf ankommt, halten wir zusammen.” Ein Konzept, dass seit Jahrzehnten funktioniert: Streitende Ritter, die von ihrer Burg zu einer Quest aufbrechen um das Böse zu bekämpfen. Matt Miller: “In der 2.Season legen wir Wert darauf, dass man neben der Haupthandlung auch in jeder Folge etwas neues über einen der Protagonisten erfährt.” Miller spielt einen hohen Ball wenn er HUMAN TARGET mit den Büchern von Elmore Leonard vergleicht: “Durchaus, was Witz, Charakterisierung und Stimmung angeht. Guerrero ist ein Typ, der direkt einem Leonard-Roman entstiegen sein könnte.” Man denkt auch daran, künftig Autoren des Comics für Drehbücher zu verpflichten.
Neben der guten Story-Struktur und dem perfekten Szenenaufbau gelingt es den Autoren mit den Schauspielern in der kürzesten Zeit alle Figuren individuell und zumeist auch originell zu charakterisieren. Das heißt: auch die Dialoge sind genau das Gegenteil vom sinnlosen Gestammel in deutschen Crime-Serien. Großartige Lines kriegt natürlich Mark Valley, die Christopher Chance als witzigen und ultracoolen Charakter unterstreichen:
Chance: Ich muss das brennende Flugzeug auf den Rücken legen um den Brandherd auszublasen.
Stewardess: Haben Sie so was schon gemacht?
Chance: Häufig In allen Möglichkeiten.
Stewardess: Wann und wo?
Chance: In einem Simulator.
Stewardess: Oh, nein.
Chance: Es war ein sehr guter Simulator.
Chance dreht das Flugzeug was zur Folge hat, dass die Instrumente nicht mehr funktionieren und er es nicht mehr kontrollieren kann.
Stewardess: Was bedeutet das?
Chance: Technisch gesehen: Das Flugzeug ist kaputt.
Man muss Mark Valley dabei sehen. Der Golfkriegveteran (des 2. Golfkriegs 1991; der 1.fand zwischen Irak und Iran statt) hat das Charisma um diese Comicfigur im allerbesten Sinn glaubwürdig rüber zu bringen. Wäre die Hauptrolle schlecht gecastet, hätte die Serie trotz guter Bücher riesige Probleme.
Das einzige Ärgernis ist, dass man HUMAN TARGET montags auf pro7 mit Werbeunterbrechungen sehen muss. Wer das nicht will, muss auf die Box warten oder sich im Internet die amerikanischen Folgen zusammen suchen.
Zu Gast auf einem Comic Con:
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Das weltweit ehrgeizigste Unternehmen hat der Epsilon Verlag gestartet, nämlich eine chronologische Gesamtausgabe. Verleger Mark O.Fischer stellte den Editionsplan auf:
„Diese deutsche Gesamtausgabe wird die weltweit erste chronologische Gesamtausgabe aller von Vance und Coria gezeichneten Abenteuer von BOB MORANE! Und das komplett in 18 Bänden!
Statt der chaotischen Zusammenstellung der Intégral-Bände von Dargaud zu folgen, macht Epsilon Alben mit drei Abenteuern in einem Band, die sowohl die zeichnerische als auch die inhaltliche Chronologie berücksichtigen:
(D=Dargaud L=Lombard 13=13tes Album beim jeweiligen Verlag I=Integral)
1
D12- LES CONTREBANDIERS DE L’ATOME – I01
D06- LES FILS DU DRAGON – I02
D02- OPÉRATION CHEVALIER NOIR – I01
2
L20- LES OTAGES DE L’OMBRE JAUNE – I10
L33- LA REVANCHE DE L’OMBRE JAUNE – I15
L34- LE CHÂTIMENT DE L’OMBRE JAUNE – I15
3
D10- LA VILLE DE NULLE PART – I04
D09- L’ARCHIPEL DE LA TERREUR – I04
D07- LES YEUX DU BROUILLARD – I01
4
L09- OPÉRATION WOLF – I07
L10- COMMANDO ÉPOUVANTE – I09
L11- LES GUERRIERS DE L’OMBRE JAUNE – I10
5
D05- LES POUPÉES DE L’OMBRE JAUNE – I02
L03- LES SEPT CROIX DE PLOMB – I06
D13- GUÉRILLA À TUMBAGA – I06
6 
L14- LES CHASSEURS DE DINOSAURES – I11
L13- LE PRÉSIDENT NE MOURRA PAS – I10
L12- SERVICE SECRET SOUCOUPES – I09
7
D11- L’ŒIL DU SAMOURAÏ – I04
L02- PANNE SÈCHE À SÉRADO – I06
L01- LES GÉANTS DE MU – I05
8
L18- LES FOURMIS DE L’OMBRE JAUNE – I11
L16- LA GUERRE DES BALEINES – I07
L17- LE RÉVEIL DU MAMANTU – I07
9
L05- LE TEMPLE DES DINOSAURES – I05
L04- LES SORTILÈGES DE L’OMBRE JAUNE – I03
L06- LES BULLES DE L’OMBRE JAUNE – I03
10 
L15- UNE ROSE POUR L’OMBRE JAUNE – I11
L19- LE DRAGON DES FENSTONE – I08
L21- SNAKE – I16
11
D08- LA PRISONNIÈRE DE L’OMBRE JAUNE – I02
L07- L’EMPREINTE DU CRAPAUD – I05
L08- L’EMPEREUR DE MACAO – I03
12
L22- LE TIGRE DES LAGUNES – I08
L23- LE TEMPLE DES CROCODILES – I14
L24- LE MASQUE DE JADE – I15
13
L25- TROIS PETITS SINGES – I09
L26- LE JADE DE SÉOUL – I12
L27- LA CITÉ DES RÊVES – I08
14
L28- L’ARBRE DE L’EDEN – I13
L29- UN PARFUM D’YLANG-YLANG – I12
L30- ALIAS M.D.O. – I12
15
L31- L’ANNEAU DE SALOMON – I13
L32- LA VALLÉE DES BRONTOSAURES – I14
L35- YANG = YIN – I14
16
L36- LE PHARAON DE VENISE – I13
L37- L’OEIL DE L’IGUANODON – I16
L38- LES DÉSERTS D’AMAZONIE – I16
17
L39- LA PANTHÈRE DES HAUTS PLATEAUX
L40- L’EXTERMINATEUR
L41- LES LARMES DU SOLEIL
18
L42- LA GUERRE DU PACIFIQUE N’AURA PAS LIEU – Tome 1
L43- LA GUERRE DU PACIFIQUE N’AURA PAS LIEU – Tome 2
L44- LES BERGES DU TEMPS
Damit die Gesamtausgabe auch ihrem Namen verdient, folgen im Anschluss alle Abenteuer, die von Attanasio, Forton und Leclercq gezeichnet wurden. Alle Bände enthalten umfangreiches und exklusives Zusatzmaterial.“
Nun lässt sich sicherlich darüber argumentieren, ob dieses inhaltlich orientierte chronologische Konzept bei Morane nötig ist. Ich kenne nicht alle Comic-Abenteuer und kann nicht beurteilen, in wir weit es Rückbezüge gibt, die durch die Romanvorlagen bedingt sind. Fischer wird sich dabei schon etwas gedacht haben. Die ersten vier Bände sind bereits erschienen und schlichtweg wunderbar! Jeder Band hat umwerfendes Zusatzmaterial zu Henri Vernes, der Morane-Rezeption und natürlich zu den Zeichnern. Vielleicht sollte man bei den Übersetzungen, besonders der Materialien, noch etwas sorgfältiger lektorieren. Aber das ist dann auch schon alles, was ich als alter Miesmacher überhaupt bemäkeln kann. Kein Fan von Abenteuer- SF- oder Fantasy-Comics kommt an dieser nahezu perfekten Ausgabe vorbei. Sie setzt Maßstäbe.
SEHT EUCH DIE FIGUREN AN! Unglaublich, was da ein Fan tolles gebastelt hat.
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http://www.epsilongrafix.de/shop_artikel.php3
Wir haben NICHTS, was auch nur annähernd an den francobelgischen Pop-Mythos Bob Morane heran
reicht. Wie armselig ist doch der larmoyante Karl May mit seinen ebenso langweiligen wie dicken Büchern im Vergleich zu den kurzen Pulps von Henri Vernes, die man auf einem Sitz runterziehen kann.
Meine Erste Begegnung mit diesem unvergesslichen Helden der Kindheit hatte ich Mitte der 60er Jahre, als das WDR-Werbefernsehen in seinem Intermezzo-Programm die Fernsehserie mit Claude Titre und Billy Kearns ausstrahlte.
Garantierte Bubenspannung bis an den Rand des Herzinfarkts! Einmal in der Woche konnte man 25 Minuten lang die Geheimnisse und Mysterien der unbekanntesten Flecken auf diesem Planeten kennen lernen. Zusammen mit Bob, der meistens in die wüstesten Abenteuer geriet, weil er zufällig in eine junge Dame rannte, die tief in der Patsche steckte. Durch die Beweisführung meines holländischen Brieffreundes, den ich besuchte und durch den ich damals schon seltene Paradiese wie Comic-Läden kennen lernte, wurde mir klar, dass ich mit der TV-Serie nur den Bruchteil eines ganzen Universums entdeckt hatte. Da stand ich auf einmal in einer großen Maastrichter Buchhandlung vor einem endlosen Regal mit Bob Morane-Romanen und darunter waren auch noch Kästen mit Bob-Morane-Comic-Alben. Außerdem war in einer Illustrierten seiner Mutter jede Woche eine Seite Fortsetzungscomic. Einmal mehr wurde mir unser unzureichendes Schulsystem deutlich, in dem Flämisch nicht gelehrt wurde. Aber selbst ist der Mann und Robbedoes, Buck Danny, Jerry Spring, Jan Kordaat, Kuifje und Pep motivierten mich zum freiwilligen Sprachstudium.
Und dann geschah ein Wunder! 1965 brachte der Ensslin-Verlag Henri Vernes Romane als kleine Hardcover auf Deutsch heraus! Zwei Jahre lang veröffentlichte Ensslin in jedem Frühjahr drei Romane, im Herbst sechs!.Immer aufeinmal. Jeden Band für satte 3,95 DM! Das stellte die Taschengeldlogistik vor ziemliche Probleme, da ich selbstverständlich die drei oder sechs Titel SOFORT UMGEHEND KOMPLETT AM ERSTVERKAUFSTAG haben musste. Buchhandlung Lehmkuhl ließ ich nicht mal Zeit, die Bücher ins Fenster zu räumen. In den Sommerferien in Como sparte ich mein tägliches Eisgeld. Da kam was zusammen und direkt nach der Rückkehr (wir kamen tief in der Nacht mit dem Auto aus dem Urlaub) zählte ich das Geld auf den Pfennig genau ab und verfluchte die Umsatzfeindlichen Ladenöffnungszeiten der alten Bundesrepublik.
Nach 19 Titeln stellte Ensslin die Veröffentlichung ein. Wahrscheinlich konnten sie von mir nicht leben. Eine der grausamsten Entscheidung in der Geschichte der deutschen Buchkultur. Ein Schaden, der bis heute nicht kompensiert werden konnte. Antiquarisch findet man sie zum Glück noch für moderate Preise:
Die 19 Romane im Ensslin & Laiblin Verlag, Reutlingen, erschienen in jeweiliger Erstauflage von 15000 Exemplaren.
1 1965 Der Schwarze Pfeil / Le démon solitaire
2 1965 Der Schmuck des Maharadschas / Les joyaux du maharajah
3 1965 Im Tal der Brontosaurier / La vallée des
brontosaures
4 1965 Im Zeichen des goldenen Drachen / Le club des longs couteaux
5 1965 Der Tempel der Krokodile / Le temple des crocodiles
6 1965 Der Piratenschatz / L’héritage du flibustier
7 1965 Das Testament des Grafen Alfieri / Echec à la Main Noire
8 1965 Die Göttin mit den grünen Augen / Le tigre des lagunes
9 1965 Der Wüstenprinz / La cité des sables
10 1966 Die indische Drossel / La voix du mainate
11 1966 Der Berg der Götter / Les semeurs de foudre
12 1966 Orly, 12Uhr 30 / Mission à Orly
13 1966 Das Höllenfahrzeug / Le camion infernal
14 1966 Die Blüte des Schlafs / La fleur du sommeil
15 1966 Der Drache der Grafen Fenstone / Le dragon des Fenstone
16 1966 Die Perlenkette / La rivière de perles
17 1967 Die versunkene Galeere / La galère engloutie
18 1967 Die Haifischlagune / Le lagon aux requins
19 1967 Der Teufel von Labrador / Le diable du Labrador
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Um mal zu illustrieren, wie dreist und blöd die verkommene Fernsehkritik in unserem Lande inzwischen ist, möchte ich auf die ANGESICHT DES VERBRECHENS-Besprechung auf Stern.de verweisen:
http://www.stern.de/kultur/tv/ard-epos-im-angesicht-des-verbrechens-in-diese-tv-serie-muessen-sie-einsteigen-1561814.html#utm_source=standard&utm_medium=rss-feed&utm_campaign=alle
Eine Sophie Albers hat sie geschrieben und jetzt, haltet Euch fest! – kommt ein Knallerzitat: „So beginnt diese große Geschichte, die in ihrer Vollständigkeit an amerikanische Kino- und Fernseherfolge wie “Der Pate”, “Die Sopranos” oder auch “The Wire” denken lässt. Aber nur kurz. Denn Graf hat originäres deutsches Fernsehen geschaffen. Nur fehlten bisher die Vorbilder zum Vergleich. Nun gibt es ein Vor und Nach “Im Angesicht des Verbrechens”. Denn an der detailverliebten Lust der Erzählung wird sich alles messen lassen müssen, was kommt.“
Die Sopranos nach einem Besuch bei frechen Kritikern.
Da können sich ja RTL, SAT usw.freuen. An dem gemessen, kann jede ihrer Schrottserien punkten. Das die Dame sich nicht schämt, die SOPRANOS als Vergleich anzuführen… Da kann ich nur vermuten, dass sie über einen IQ verfügt, den ein Muli als Beleidigung empfinden würde. Jedenfalls hat sie sich mit diesen Zeilen ausreichend als Juror für Grimme- und sonstige Jurys empfohlen, die Preise für die allgemeine genetische Vulgarität der Branche verleihen. Bei all der Kritik an den öffentlich-rechtlichen Sendern wollen wir aber nicht vergessen, dass das Ende der westlichen Zivilisation ziemlich genau auf den Tag fällt, als RTL den Sendebetrieb aufnahm.
Aber der STERN macht auch Mut und lässt Vertrauen in die TV glotzende Menschheit zurückgewinnen. Zwei „Leserbriefe“ zu Sophies verzücktes Gestammel:
knast (28.04.2010, 16:50 Uhr)
postpupertäres Nichts
Die Begeisterungsstürme, welche die Serie ausgelöst hat sind nicht nachzuvollziehen.
Wer in den 90er Jahren stehengeblieben ist, mag diese Serie revolutionär finden, wer im Heute lebt schaltet schnell ab und verschont sich.
Nichts als ein uninspirierter Aufguss von Stilelementen, die wir schon lange satt haben und einfach nur noch nerven.
Unreifes und pupertäres Nichts
saulus (28.04.2010, 14:05 Uhr)
Im Angesicht…von was?
Nun habe ich mir diesen Krimi gestern bei meinen Nachbarn auf Arte angetan und kann die Artikel auf stern.de und spiegel.de nicht nachvollziehen. Spannend, Suchtpotenzial…Vergleich mit den “Großen” des Genres? Also bitte, die Autoren müssen einen anderen Krimi gesehen haben wie ich.
Positiv: Doppelfolge, keine Werbepausen, die Musik war mal nicht so extrem nervend wie sonst.
Und sonst: Nichts was erwähnenswert wäre und schon garnichts was derartige Artikel rechtfertigen würde. Der Krimi wirkt streckenweise peinlich und billig, der Cutter (Generation MTV?) hatte offensichtlich alle Hände voll zu tun und wurde (ich hoffe) gezwungen diese extrem weichen Blenden zu setzen. Die Kamera ist nicht erwähnenswert, weil einfach schlecht!
Der Autor hat recherchiert? Wo denn? Wahrscheinlich im King George bei viel zu viel billigen Wodka. Das die Russen mit den Vietnamesen Zigarettengeschäfte machen, ist schon so alt, da kräht kein Hahn mehr nach.
Naja wenigsten habe sich “die Macher” dieses Werkes nicht so peinlich selbst gefeiert, wie sonst üblich.
Fazit: Leute so wird das nüscht!
Um nicht hoffnungslos zu enden, empfehle ich folgende TV-Krimis, die momentan auf Kabelsendern zu sehen sind und intelligente und spannende Unterhaltung garantieren:
SPOOKS (ZDF NEO und FOX)
SOPRANOS-Wiederholungen bei FOX
LIE TO ME Mittwochs auf VOX
HUSTLE (ZDF NEO)
CRACKER-Wiederholungen auf RTL CRIME
DER PREIS DES VERBRECHENS (freitags direkt nach HUSTLE auf ZDF NEO)
MIAMI VICE-Wiederholungen auf ZDF NEO und AXN
KILL POINT auf AXN
P.S.: Ich habe es versucht! Ich habe nochmals versucht die Dominik Graf-Serie von anfang an zu gucken! Es war noch schlimmer als in der fast verdrängten Erinnerung.Ich bin nach einer halben Stunde schreiend aus dem Haus gelaufen und habe erst am nächsten Tresen mit Herzrasen gestoppt. Erst vier Jamies später war ich trotz des gesehenen Grauens bereit, weiter zu leben. Dann habe ich mir Cronenbergs EASTERN PROMISES angesehen um mir zu bestätigen, dass man mit dem Thema Russenmafia tatsächlich beeindruckend und umfassend umgehemen kann. Und das auf nur 100 Minuten. Jaja, Kinofilm, ich weiß. Aber das Papier, auf dem ein Drehbuch entsteht ist da auch nicht teurer als beim Fernsehen.
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Warum versteckt man zu Ostern keine deutschen TV-Krimi-Serien?
Weil sie keiner sucht.
Dominik Graf. Dominik Graf! Ein Namen, der mir Schauder über den Rücken jagt. Wie oft wurde ich mit Produkten von diesem immer schon überschätzten.Filmerchen als Grimme-Juror gequält (seitdem ich nicht mehr als Juror zur Verfügung stehe um das Schlimmste zu verhindern, sackt er nur so die lächerlichen Preise ein, die den provinziellen Standort des Marler Grimme-Inmstituts vorzüglich illustrieren). Aber vielleicht waren die Stunden mit Dominiks Fernsehfilmen eine kleine Abzahlung auf mein Karma-Schuldenkonto. Ich war immer froh, wenn ich ihn hinter mir hatte. Seine anhaltende Bewunderung durch hirnentkernte Kritiker (die diesen Job als Entschuldigung nutzen um den ganzen Tag vor der Glotze zu hocken statt ein Leben zu führen) haben Dominik immer dreister werden lassen. Diese halten ihn für einen bedeutenden Filmemacher, weil seine Stories noch schlimmer sind als seine Regie. Es sind Kritiker, deren natürlicher Lebensraum die televisionäre Müllkippe ist. Sein Talent beruht vor allem darauf, dass er sich für seine schlechten Angewohnheiten (irgendwas drehen), von ARD und ZDF Gebührengelder geben lässt. Die hoch gelobte Ästhetik dieses cineastischen Buben wirkt wie Ladendiebstahl in einem Gebrauchtwarenhandel.
Und nun ist er wieder da, um zu zeigen, wo der Wastl den Krimi-Most holt. Höchstes Niveau! Realismus des Verbrechens aber dramaturgisch doch viel besser aufbereitet als das die bemitleidenswerten Angelsachsen hinkriegen. Bei den Vorbereitungen war Dominik vielleicht sogar zu HBO gepilgert und hatte unter Polizeischutz die Brutstätten des Lasters besucht. Und was findet er? Den Russen als Endlosklischee, der bei Jürgen Roth nachschlagen sollte, wie die Geschäfte wirklich ablaufen. Aber das wissen wir ja seit den Nazis: Der Russe ist grausam.
Die schönste Meldung zu dieser Krüppelproduktion war die, dass die Produktionsfirma durch die zügellose Üppigkeit dieses Mehrteilers Insolvenz anmelden musste. Vielleicht die herausragendste Leistung in der Karriere des Dominik Graf. Über 10 Millionen soll diese Schlaftablette gekostet haben! Geld, das unseren Kindern fehlt!
Worauf bezieht sich der Titel eigentlich? Auf die Wahrnehmung eines Fernsehzuschauers angesichts des Verbrechens, ihm Lebenszeit zu rauben?
Ich habe nur 15 Minuten durchgehalten. Deswegen jetzt also CHRISTIAN LUKAS mit seiner kompakten Schilderung verschwendeter Gebührengelder. Christian, ein vielseitiger Roman- und Sachbuchautor, hat mehrere Bücher über TV Serien geschrieben, u.a. über DR.HOUSE, AKTE X und DESPERATE HOUSEWIFES. Dann mal los:
In Gottes Namen. Ich wollte die zehnteilige Serie von Dominik Graf heute anfangen zu schauen. Auf arte. An mehreren Abend je zwei Episoden hintereinander. Alles klang gut, das Budget war groß, die Freiheit des Regisseurs wohl einmalig. Deutschlands Sopranos, The Wire, ja der deutsche Pate wurde da im Vorfeld gesungen. Das alles habe ich von Anfang nicht geglaubt, aber gute, vielleicht sogar sehr gute Unterhaltung – die habe ich mir schon erhofft, denn es schien alles zu stimmen. Russenmafiosis, Polizisten in einem hoffnungslosen Krieg, Familienbanden, ein bisschen Action… Schau’n mer mal.
Was aber sagen die wirklich teils euphorischen Kritiken im Vorfeld über meinen Berufsstand, den Berufsstand des Kritikers aus?
Dass Berufsverbote durchaus ein Mittel sein können? Oder dass meine Kollegen alles fiese Sadisten sind, die sich gesagt haben: Ich habe diesen Müll ertragen müssen, warum soll es den anderen Leuten besser gehen? Guido Westerwelle lässt sich schließlich auch nur im Kollektiv ertragen.
Ja so eine Scheiße habe ich seit langer Zeit nicht mehr gesehen. Bitte? Es sind zehn Teile und während ich diese Zeilen schreibe läuft noch die zweite Folge auf arte? Gut, ich habe nach 35 Minuten aufgegeben. Ich gebe es zu. Ich gebe zu, ich bewerte eine 500 Minuten lange Geschichte nach 35 Minuten, ohne zu wissen, in welche Richtung es weiter geht, was geschehen wird, ja eigentlich bevor die Geschichte richtig angefangen hat. Darf ich das als Kritiker? Die Antwort lautet: Ich muss! Ich werde in diesem Jahr 40 Jahre alt. Meine Uhr tickt, ich habe nicht mehr so viel Zeit. Da kann ich nicht darauf warten, dass eine Serie vielleicht mit der dritten, vierten oder fünften Episode gut, ja vielleicht großartig wird. Jeder Groschenheftautor lernt: Am Anfang muss es krachen, um die Aufmerksamkeit der Zuschauer zu erhaschen. Danach? Egal! Wenn der Leser erst einmal dabei ist, kannst du es auch mal ruhig angehen lassen, du hast ihn ja am Wickel.
Aber diese Serie?
1.) Die Figuren werden eingeführt und sind erst einmal alle doof. Ja, ich wähle dieses Kinder-Wort – doof – ganz bewusst, denn sie sind nicht Scheiße. Eine Figur, die Scheiße ist, an der kann ich mich ja zumindest reiben, mich über sie aufregen. Nein, diese Figuren sind doof. Ob sie ficken, fluchen, saufen oder in der Nase bohren: Langweilig! Es ist mir egal. Man bekommt x Figuren vorgesetzt – und alle doof, weil alle sich verhalten wie Schauspieler, die doofe Rollen spielen. Also, ich habe> manchen Therese Orlowski Film gesehen, als ich … na ja, damals eben. Und wenn man sich beim Anschauen einer arte -Produktion auf einmal denkt: Hey, die Figuren in dem und dem Porno, die hatten ja schon irgendwie eine interessante Persönlichkeit, so im Vergleich zumindest…
2.) Der Soundtrack, oder das, womit die Szenen klangtechnisch untermalt werden: Ich habe Tinnitus, Leute, ich bin auf dem linken Ohr schwerhörig. Das ist nicht schön. Aber nach diesen 35 Minuten habe ich festgestellt: Taubheit ist eine echte Alternative.
3.) Spannungsaufbau. Es gab eine richtig gute Actionszene in diesen 35 Minuten. Klasse inszeniert, echtes Spielfilmniveau, keine Jahrmarktsattraktionen á la Alarm für Cobra 193. Plötzlich und unvermittelt nahm die Handlung richtig Fahrt auf, die Figuren tanzten nicht dumm in der Gegend herum, nein, das war richtig gut. Es war auf den Punkt inszeniert und wurde genau in dem Augenblick, in dem man als Zuschauer gebannt der Handlung folgte, in der sich – aus dem Nichts kommend eine Dramaturgie anbahnte – abgebrochen. Stattdessen: Ein Schwenk auf zwei Russenmädchen, die zur Prostitution gezwungen werden. Das sollte jetzt echt tragisch sein. Hey, die armen Mädchen, kommen nach Deutschland und werden so echt fies ausgenutzt. Natürlich ist das fies und natürlich gehört jeder Kerl, der Frauen zu so etwas in der Realität zwingt an den Eiern aufgehängt. Aber dies ist nicht die Realität, es ist eine Serie. Und krass gesagt: Hier sind mir diese Mädchen zu diesem Zeitpunkt nicht nur fremd. Sie sind mit egal, weil ich sie nicht nahe gebracht bekomme.. Abgesehen davon, dass mir diese dämlichen Weiber gerade die Dramaturgie versauen. Es ist wie mit RTL-Actionserien, die Drama sein wollen, weil es Folgen gibt, in denen Kinder in Gefahr geraten. Kinder, die ich nicht kenne und mir daher – im Kontext einer Serie, zu deren Figuren ich ja eine wie auch immer geartete Beziehung aufbauen soll – kackegal sind und ich sie vielleicht sogar für naseweiße Rotzlöffel halte, die mal ein ordentliches Trauma verdient haben. Statt dessen… Irgendwie bin ich raus, die gesamte Dramatik – fürn Arsch.
4.) In den ersten 30 Minuten geht es um die Familien, die im Mittelpunkt stehen. Die einen Russenmafiosi, die anderen irgendwie jüdische Einwanderer aus dem Baltikum und auch irgendwie Mafiosi, aber eher Drittligisten. Verbunden werden sie über die Tochter aus jüdischem Hause, die mit dem Russenobermafiosi verheiratet ist. Und dann gibt es einen Bruder, der wurde vor Jahren erschossen (ich wette mal, der Russenmafiosi hatte seine Hand im Spiel, buh). 30 Minuten Familienfeiern und Marie Bäumer als Akkordeonspielerin mittendrin. Wir erfahren also: Baltische Juden und Russen feiern gerne. Auch wenn man toten Söhnen gedenkt. Nette Völker. Aber ihre Musik ist scheiße. Und irgendwie sind die Farben so blass gehalten, dass das alles nicht wirklich fröhlich wirkt. Weil das Leben eben doch nicht nur eine einzige Feier ist? Von einer guten Kameraarbeit bei einer Außenszene abgesehen wirkt das alles zu sehr nach ZDF-Fernsehspiel 1982 (lässt Graf seine Actionszenen von jemand anderen inszenieren, die sah schließlich geil aus, im Gegensatz zum Rest). Was Graf will ist klar: Er will uns die Welten der Hauptfiguren vorstellen, es geht ihm nicht um eine stringente Handlung á la MIAMI VICE oder SPOOKS. Er ist ein Autheur, einer, der sich für Figuren interessiert. Und er hat die SOPRANOS gesehen. Er weiß, dass man heute eine Serie über das Verbrechen machen kann, ohne dass es um konkrete Verbrechen geht. Und natürlich muss er sich etwas mehr Zeit für diese Leute nehmen als die Amis. Im Falle der amerikanischen Sopranos ist es so: Jeder weiß – da gibt es die italienische Mafia, Mafiosis lieben alle Frank Sinatra und haben ein Faible für Goldkettchen. Es ist Popkultur, man muss da nichts groß erklären, Graf hat es da etwas schwerer. Aber was macht er daraus? Er zeigt uns 35 Minuten doofe Figuren (siehe 1.), und stellt dann noch die untalentierteste Schauspielerin in den Mittelpunkt des Geschehens, die er finden konnte. GIBT ES IN DIESEM LAND EIGENTLICH NUR BESCHISSENE SCHAUSPIELERINNEN????? In Gottes Namen, wir haben doch gute Synchronsprecherinnen, Frauen, die wirklich dramatisch sprechen können. Was ist? Können die nur sprechen? Oder sind die alle hässlich, einbeinig oder alle über 60? Gibt es Verträge, die es Synchronsprecherinnen verbieten in Filmen auch mal vor die Kamera zu treten? Leider ist Maria Bäumer zwar nett anzuschauen, aber die Last der Hauptrolle wiegt viel zu schwer auf ihren Schultern als dass sie diese stemmen könnte – ein Problem vieler deutscher Produktionen, es scheint fast so als seinen männliche Regisseure hierzulande nicht in der Lage, Schauspielerinnen zu führen, so wirkt Maria Bäumer oft verloren in den wenig erquicklichen Bildern dieses seltsamen TV-Wasauchimmer).
5.) Das Ding ist rassistisch. Also: Wir haben jüdische Mafiosi. Oder zumindest Leute, die es mit dem Gesetz nicht so ernst nehmen. Also: Herr Graf weiß: Ich darf heute Gangster als Menschen darstellen. Tony Soprano war ja ein netter Kerl, obwohl Mafiosi. Und seine Mama war der Teufel. Eine interessante Umkehrung klassischer Muster. Also sind diese Leute nicht unsympathisch. Sie sind aber doof, wie ich noch einmal betonen möchte. Außerdem: Einer ihrer Söhne ist ja Polizist. Er ist der Bruder der Bäumer. Ups, wenn die Russen was mit dem Mord an seinem Bruder zu tun haben, Mensch, das wäre ja eine dramatische Entwicklung! .Diese Leute scheiden als Fieslinge aus. Also die Russen, die, wir erfahren ja schnell, dass der Oberböse zwei nette Kinder hat (zumindest wirken die Blagen jetzt nicht so scheiße, dass man sie Alarm für Cobra 193 als die dramatischen Kinder in Not für eine Doppelfolge ausleihen möchte). Also scheint der Russe ja, in seiner Welt, irgendwie auch ein Mann mit mehreren Gesichtern zu sein. Und nachdem es bei “House” sogar eine Folge gab, in der ein afrikanischer Dikator als durchaus widersprüchliche Figur dargestellt wurde, scheiden die als die fiesen Drecksäcke, die man einfach nur hassen muss aus. Aber der Deutsche braucht Feindbilder. Also Italiener? Nee, das ist zu sehr Klischee! Polen? Nee, alles nur Kleinkriminelle. Außerdem sind polnische Frauen, die bei Lidl an der Kasse arbeiten, auch arme Schweine… Moment: Vietnamesen.. Klar, es geht um Russenmafia, da ist der Vietkong nicht weit. Und wir wissen ja, Vietnamesen knallen sich gerne mal wegen ein paar Zigaretten ab. Ihre Sprache versteht keine Sau, und auseinanderhalten kann man die auch alle nicht. Na bitte: Hier haben wir die Bösen. Die tauchen im Rudel auf, wie Ameisen, ohne eigene Identität und ihr Boss ist ein Mann im weißen Anzug. Scheiße! Ich erkenne buddhistische Bezüge! Was für ein hochgebildeter Weltmann dieser Graf doch ist.
Und das Schlimmste: Da Herr Graf sich bei der Inszenierung dieses Zehnteilers ja angeblich aufgeführt hat wie ein drittklassiger mittelamerikanischer Diktator – inklusive Ärger mit dem Gewerbeaufsichtsamt und der Pleite der Produktionsfirma – werden nun andere Leute, vielleicht ähnlich ambitionierte Projekte angehen. Boah, also. Vielleicht doch lieber Musikantenstadl mit Florian Silbereisen…
Habe ich mich eigentlich bereits über den Schnitt geäußert, über den vollkommen uninspirierten Einsatz von (Mini-)Jumpcuts, von Wackelkamera (die aber gar nicht richtig wackelt), von der Atmosphäre eines ZDF-Fernsehspiels von 1982 (ja, doch, zumindest das habe ich). Übrigens: Die Actionszene war auch in Bezug auf die Bildmontage richtig gut… Immerhin eines hat dieser Müll bewirkt: Ich habe mich hingesetzt und statt zu arbeiten diese E-Mail geschrieben. Das schafft nicht jeder Scheiß. Soll mich das jetzt nachdenklich stimmen?
Ich glaube nein.
Und noch einmal: Es interessiert mich nicht, wie sich die Serie weiter entwickeln wird. Selbst wenn sie am Ende Akte X, Stargate, Ally McBeal, das Gesamtwerk von Martin Scorsese und Steven Spielberg sowie alle französischen Splatterfilme der Jahre 2006 bis heute alt aussehen lassen sollte (Tröste dich, Christian. Wie ich aus gut unterrichteten Kreisen erfahren habe, haben alle Teile das von Dir beschriebene Nivieau spielend gehalten.M.C.): Der erste Eindruck macht die Musik. Und nach diesem Eindruck möchte ich mich nur noch duschen und abschrubben. Mit einer Nagelbürste. Auch dort, wo man die normalerweise niemals benutzen sollte.
